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COLUMNA
Por Oscar Isaías Contreras Rojas
Cómo se enseñaba el arte en el México prehispánico y en la Europa medieval y renacentista
Mucho antes de las academias modernas, el arte ya se aprendía como un oficio sagrado.
Tanto en el México prehispánico como en la Europa medieval y renacentista, la formación artística ocurría dentro de sistemas estrictos de transmisión del conocimiento, donde técnica, religión y poder político estaban profundamente unidos.
Sin embargo, aunque ambos mundos compartían ciertas estructuras, maestros, talleres, disciplina y aprendizaje práctico, las diferencias en la concepción del arte revelan dos maneras distintas de entender la creación y el papel del artista en la sociedad.
El arte como conocimiento sagrado en Mesoamérica
En culturas como la mexica, la maya o la mixteca, el arte no era una actividad separada de la vida espiritual o política.
Pintores, escultores, lapidarios y arquitectos trabajaban al servicio de los templos, de los gobernantes y de los rituales religiosos.
Crear una escultura o pintar un códice significaba participar activamente en el orden cósmico.
La educación artística comenzaba desde edades tempranas. Entre los mexicas existían instituciones como el calmécac y el telpochcalli.
Aunque ambos tenían funciones generales de formación militar, religiosa y social, el calmécac, reservado principalmente a las élites, también transmitía conocimientos relacionados con la escritura pictográfica, la astronomía, la poesía ritual y ciertas artes refinadas.
Los artistas especializados, conocidos entre los mexicas como tolteca o tlacuilos en el caso de los pintores-escribas, aprendían mediante observación directa y repetición.
El maestro enseñaba técnicas precisas para trabajar piedra, plumas, pigmentos o jade, pero también transmitía símbolos, narrativas míticas y reglas rituales.
La copia tenía un valor fundamental. Repetir formas tradicionales no era considerado falta de creatividad, sino una forma de preservar la armonía con los dioses y con la tradición ancestral.
La innovación existía, pero ocurría lentamente y dentro de códigos visuales compartidos.
El artista prehispánico rara vez firmaba sus obras. Lo importante no era la individualidad, sino la función colectiva y ceremonial de la pieza.
El taller europeo: del anonimato medieval al genio renacentista
En Europa, durante la Edad Media, la enseñanza artística también se desarrollaba dentro de talleres.
Pintores, escultores y constructores pertenecían a gremios artesanales similares a los de carpinteros, herreros o tejedores.
El arte era considerado un oficio manual antes que una expresión individual.
Un aprendiz ingresaba al taller siendo niño. Durante años realizaba tareas básicas: preparar pigmentos, limpiar pinceles, tensar telas o copiar dibujos del maestro.
Solo después de una larga formación podía convertirse en oficial y eventualmente abrir su propio taller.
La gran transformación ocurrió durante el Renacimiento italiano. Figuras como Leonardo da Vinci, Michelangelo o Andrea del Verrocchio comenzaron a cambiar la percepción social del artista.
Poco a poco dejó de verse únicamente como artesano para convertirse en intelectual y creador individual.
Los talleres renacentistas, especialmente en ciudades como Florencia o Venecia, funcionaban casi como pequeñas escuelas.
Allí se estudiaba anatomía, perspectiva, geometría y filosofía clásica. El dibujo se convirtió en la base del aprendizaje artístico europeo.
A diferencia del mundo mesoamericano, en Europa comenzó a valorarse la innovación personal y el estilo propio.
El artista aspiraba a desarrollar una identidad reconocible y eventualmente alcanzar prestigio individual.
Dos maneras de entender la creación
Las diferencias entre ambos sistemas reflejan visiones culturales profundas.
En Mesoamérica, el arte estaba ligado a la continuidad del cosmos y a la memoria colectiva. El artista era un mediador entre lo humano y lo divino. La obra pertenecía a la comunidad y al orden ritual.
En Europa, especialmente tras el Renacimiento, el arte comenzó a asociarse con la búsqueda individual, el estudio científico de la naturaleza y la fama personal. Nació gradualmente la figura moderna del “genio artístico”.
Sin embargo, ambos modelos compartían algo esencial: el arte se aprendía haciendo. No existían manuales rápidos ni formación instantánea.
El conocimiento pasaba de mano en mano, de maestro a aprendiz, dentro del taller y mediante años de disciplina práctica.
El legado que aún permanece
Muchas de estas formas de enseñanza sobreviven todavía. En talleres artesanales de Oaxaca, Michoacán o Puebla, así como en estudios tradicionales europeos, el aprendizaje continúa transmitiéndose a través de la observación y la repetición cotidiana.
La idea contemporánea del artista autodidacta o completamente independiente es relativamente reciente.
Durante siglos, en ambos lados del océano, el arte fue ante todo una herencia viva: un lenguaje aprendido lentamente dentro de una comunidad.
Y quizá allí reside una de las lecciones más importantes del pasado: antes de convertirse en expresión individual, el arte fue una forma de pertenecer a un mundo compartido.
